Omar Jerez es un kamikaze del videoarte. Opta por un lenguaje directo y polémico, alejado de la poesía. Sus piezas son conceptos visuales elaborados a lo largo de tres minutos de metraje. Sus obras Mickey, Guantanamo, Puño y McDonald forman la serie americana y caracterizan la esencia del lenguaje de Jerez. En poco más de un año dedicándose al videoarte, ha realizado 27 exposiciones, ganado 5 premios, vendido los derechos de explotación de dos de sus obras para su proyección en EE.UU., y vive exclusivamente de sus creaciones. Hoy nos hablará, entre otras cosas, de las relaciones entre el cine y el videoarte.
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| Fotografía: Juan Barte |
PREGUNTA: En primer lugar, Omar, nos gustaría conocer tus impresiones sobre la relación videoarte-cine. ¿Es para ti el videoarte una forma de cine? ¿De qué forma se pueden aunar ambas disciplinas artísticas?
RESPUESTA: En cuestión de concepto son las mismas que en cualquier disciplina artística, ¿qué pasa? Que lo que hay en común entre ellas no es más que el hecho de ser audiovisuales. El vídeo arte nace del cine y el cine puede ser libre de contar historias o desarrollar conceptos. En vídeo arte se trata de plasmar el concepto utilizando el menor tiempo posible, lo más sintetizado posible y de ser libre de mostrar la idea que se quiera. Creo que con mi obra dejo muy claro que se puede distinguir entre cine, corto, documental, vídeo clip o vídeo arte. Algunos ignorantes me han acusado de hacer escuetos documentales y eso es tan ridículo como que alguien con una carrera superior sea incapaz de distinguirlo, eso sí que es corto como síntesis… resumir lo que te enseñaron a lo largo de 5 años de carrera en tu patente ignorancia.
P: Teniendo en cuenta que el videoarte no es una disciplina tan conocida dentro del mundo del arte como pueda serlo la pintura o la escultura, ¿por qué elegiste el videoarte como vehículo de canalización de tus impresiones sobre el mundo en general?
R: No es lo mismo grabar las gracietas de tu bebé y que te sientas henchido de orgullo colgándolo en tu muro, o grabar memeces con violencia como protesta sin dar mensaje; ni racional, ni práctico, que hacer vídeo arte. Creo que el vídeo arte aún está gestándose y mi intención es destilar mi forma de ver cómo funciona el mundo, para compartirla con los demás, bien sea visto emocionalmente, políticamente o de forma cotidianamente mundanal. Me preocupo por los demás y quiero compartir con ellos, pero por la gente que está en este mundo -con los pies en firme-. Estuve un año en un monasterio Zen practicando budismo y llegué a la conclusión de que si pierdes el tren de la realidad tus buenas intenciones no tendrán cuajo; hay que estar en el mundo y no en la inopia.
P: ¿Cuáles son tus principales trabajos hasta la fecha? ¿Cuándo y de qué manera empezaste en este apasionante mundo?
R: A grandes rasgos mis tres series de vídeo arte, que son, la línea americana (muy crítica), la línea con personajes reales conocidos y la línea digamos más estandar. También hago performances. Comencé como podría haber comenzado con cualquier otra cosa, soy bastante cinéfilo, pero no tengo preparación académica que me respalde relativa al cine o al arte en general. Por tanto, como sí soy una persona de grandes contenidos y la poesía, la pintura, escultura y otras disciplinas artísticas están más que explotadas decidí comenzar a hacer vídeo arte, ya que no se requieren grandes inversiones para llevar a cabo las ideas, que son precisamente el peso del arte.
Comencé haciendo una performance con un vídeo de apoyo sobre la anorexia, titulada “Mi Anorexia Fragmentada” y más tarde con mi poderoso brazo derecho Pablo del Real hicimos nuestro primer vídeo arte en condiciones y que se titula “Mi niña no me pegues” y trata sobre el también existente maltrato de la mujer al hombre y de cómo queda eclipsado por el másculino sin que tenga sentido el que algo más grande niegue la existencia de lo más pequeño. Esta pieza siendo la primera oficialmente llegó a estar expuesta en el Guggenheim NY en una exposición conjunta de una selección de varios artistas noveles de todo el mundo.
P: ¿De que trabajo te sientes más orgulloso?
R: Todos me hacen sentir padre, pero si tengo que destacar uno sería el primero que hicimos de la serie americana Estados Undios, con Mickey Mouse como protagonista, que soy Yo, con una máscara del ratón de Disney que lleva un gorro de la bandera de EEUU, teniendo sexo y forzando a una mujer musulmana.
El motivo son las circustancias en torno a esta pieza, ya que tuve la oportunidad de coincidir con Christopher Makos y Paul Solberg en Madrid y poder enseñársela. Cuando la vio Chris Makos quedó impresionado en el acto, por la música, que la compuso Pablo del Real, y como estaba aplicada a la imagen le fascinó, al igual que el concepto y tratamiento de la idea y se ocupó de moverla por Estados Unidos, habiéndose vendido por 20.000 $.
Chris Makos fue denominado el fotógrafo más moderno de América, fue el brazo derecho de Andy Warhol y ha trabajado con gente como Mick Jagger, John Lennon, Salvador Dalí, Elizabeth Taylor, Malcolm Forbes, Pedro Almodóvar, Gianni Versace, Tennessee Williams… creo que sabe lo que dice y hace.
P: ¿Qué nombres forman tu equipo?
R: Ya he nombrado dos veces a Pablo del Real, que hasta el momento y espero que siempre, forme parte de mi trabajo y por supuesto como amigo o hermano sea siempre mi colaborador, consejero y custodio. Pablo se ocupa principalmente de componer música, pero como vale para todo a veces aporta todo tipo de ideas y matices.
También está Isaac Viejo que ha colaborado en casi todas las piezas como postproductor y ha trabajado con Almodóvar y con Paul Greengrass.
En la Pieza “Odisea de lo Imposible” de Poli Díaz, utilizamos a Rocío Martínez, una reputada y joven violinista clásica española que ha llegado a tocar en el Carnegie Hall NY y que también nos grabó el piano en la pieza de Estados Undios en la que el icono utilizado es Bart Simpson y va sobre las torturas a los presos de Guantánamo.
También al igual que muchos enemigos, tengo gente que me apoya y colabora ocasionalmente. A todos les estoy agradecido, ya que todo aquel que colabora conmigo haciendo mis trabajos es por su calidad primero.
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| Fotografía: Juan Barte |
P: Como ya has mencionado, los derechos de exhibición de dos de tus obras han sido compradas por Christopher Makos para su exhibición en Nueva York. Cuéntanos algo más de la experiencia, que debe suponer para ti algo maravilloso y un salto de gigante para tu carrera, ¿cierto? ¿Cómo fue?
R: Bueno, lo más importante ya te lo he contado en una de las respuestas anteriores. Esto ocurrió yendo con mi amigo Juan Barte que es fotógrafo y parando casualmente en una exposición que realizaba Chris en Madrid sobre su libro “Lady Warhol”. Juan me dijo quién era y Yo como no le conocía, sin miedo me presenté de una manera algo peculiar: le besé en la boca y le pedí que viera una de mis obras en el portátil que llevaba, así que en estado de shock le senté, le puse los auriculares y ahí comenzó esta historia.
P: La anécdota que acabas de contarnos me sugiere otra pregunta, ¿por qué optas por la polémica a la hora de transmitir tus ideas? ¿Crees que es una forma más directa de que el mundo pueda captar tus críticas y reflexiones?
R: En realidad el arte sirve para plasmar lo que uno siente y Yo no he elegido plasmar directamente mi mundo interior como hacen la mayoría de los artistas, he preferido transmitir colaboración con las demás mentes que compartimos el mundo y quitándome la mascara para ser lo más objetivo posible con ciertas circunstancias sociales que nos rodean.
En el mundo del arte prevalece una actitud aristocrática pero con sueldos de muertos de hambre, donde la gente va a curar sus egos pero se equivocan porque deberían ir al psiquiátrico. El arte contemporáneo es la nueva religión, porque tiene códigos leyes y normas, aunque aún esté prácticamente sin explotar por una actitud pseudolírica y blandorra. El alimento espiritual que necesitan los gafapastas habituales del arte contemporáneo es a través de un popular alcaloide y el alimento que necesita el público es la aproximación de la verdad que les atañe y sobre todo en tiempos de crisis. A mi parecer, el único artista merecedor de mención en España es Eugenio Merino que lleva precisamente esta actitud contestataria ante la parcialidad que ejerce.
P: ¿Cuáles son tus próximos proyectos y cuando crees que podrán salir a la luz?
R: Tengo previsto en breve grabar un vídeo sobre el Síndrome de Couvade con Nacho Vidal, estoy en negociaciones para grabar otro con Concha Buika que tratará sobre la hambruna y quizás para el año que viene podamos emprender otro que ya se ha comenzado a negociar con Javier Bardem, al que le gustó mucho la idea, aunque de momento no comento más. Continuar con la serie americana y otras ideas que tengo en mente y cómo no, terminar de exponer en los cuarenta y pico sitios previstos en 2012, que este año serán en galerías por gran parte del mundo, como Costa Rica, Venezuela, Grecia, China, París, Nueva York, etc. También tenemos previsto exponer en el MoMA en Nueva York, para este año, nuestra pieza Estados Undios Mickey.
P: El videoarte Odisea de lo imposible ha sido el más premiado de tu carrera. ¿Cómo resultó el hecho de trabajar con el Potro de Vallecas?
R: Conseguir grabarla fue algo complicado, hicimos tres intentos, sin embargo los preparativos fueron poco complicados, teníamos todo previsto y nos fallaba la localización o el cámara no venía y Poli no podía siempre asistir, así que fueron más problemas imprevistos que de coordinación. Pero Trabajar con Poli fue muy buena experiencia, porque es un gran tipo.
P: ¿Deseas añadir algo más para los lectores de Lo que Coppola quiera? Por nuestra parte, muchas gracias, un placer y tienes el micrófono abierto.
R: Solo gracias, porque sé que este blog lo lee gente con criterio e interés cultural, además agradeceros a vosotros, el blog, tanto esta entrevista como la acertada primera crítica sobre mi trabajo que me hicisteis y que fue la más equilibrada que he recibido hasta el momento.
UNA ENTREVISTA REALIZADA POR:
EDUARDO M. MUÑOZ BARRIONUEVO
