Santiago Sierra

Santiago Sierra en la galería la pieza.
6 de octubre a las 20.horas

Santiago Sierra

Santiago Sierra en la galería la pieza
6 de octubre a las 20 horas

Santiago Sierra en la galeria La Pieza

Santiago Sierra presenta en exclusiva una entrevista en la Galería LAPIEZA en Madrid el 6 de octubre
a las 20.00 horas.
Hablando en concreto del rechazo al premio nacional de artes plásticas y su obra NO GLOBAL TOUR..

Omar Jerez

 

 

El artista Omar Jerez con la pieza Odisea de lo imposible y donde interviene Poli Díaz ,

Ha cosechado tres premios y varias proyecciones a lo largo de toda españa.

La semana que viene se puede ver en Granada  en diferentes galerías.

 

Esta obra es una trasposición como reflejo y de manera sintetizada de la vida de un boxeador profesional y campeón en su disciplina, esta trasposición procede evidentemente, por el caso tratado, del resultado en su vida personal, que inevitablemente, como la de cualquier individuo va muy ligada a su vida laboral. En este caso se refleja el drama al que las circunstancias relativas al éxito y su manipulación, para su explotación y lucro, le empujaron al fracaso personal y posteriormente al profesional. También se quiere reflejar el ineludible objetivo con el que la naturaleza puede observar al ser humano y sus errores como criatura supuestamente especial y como ser auto destructivo y así ponerlo a nuestra disposición para el propio juicio a través de un ejemplo conocido como es la somera biografía de la que todos disponemos por los medios de Poli Díaz.

Santiago Sierra en la galeria LAPIEZA

Santiago Sierra presenta en exclusiva una entrevista en la Galería LAPIEZA en Madrid el 6 de octubre
a las 20.00 horas.
Hablando en concreto del rechazo al premio nacional de artes plásticas y su obra NO GLOBAL TOUR..

Kongo

Hermès traerá a Barcelona al reconocido grafitero francés Ciryl Phan, conocido con el sobrenombre de Kongo, para realizar una instalación carte blanche en su escaparate de Paseo de Gracia, que se podrá ver del 10 al 23 de octubre.
El Hermès Graff by Kongo, el carré (pañuelo) que el artista ha diseñado para la firma francesa de lujo, será el protagonista de esta intervención singular y efímera que durante 15 días recreará en la tienda barcelonesa una atmósfera de luz y color de líneas urbanas.
En una colaboración de “carta blanca”, Hermès cede total libertad creativa a los artistas con el objetivo de lograr un enfoque singular sobre realidades cotidianas tales como el escaparate de una de sus tiendas.
Autodidacta y emprendedor
Conocido con el sobrenombre de Kongo, el francés Cyril Phan es un autodidacta que se ha convertido en una de las figuras más representativas del grafiti. Más allá de ocupar paredes y muros de grandes ciudades de todo el mundo, sus dibujos cargados de color y energía se han expuesto en museos, muestras y festivales internacionales, convirtiéndose así en un artista multidisciplinar que desde el grafiti ha explorado nuevas formas de creación artística a la vez que ha colaborado con proyectos de grandes marcas.
Miembro fundador del colectivo graffitero francés M.A.C., Kongo es también co-fundador de “Kosmopolite”, el Festival Internacional del Graffiti (Francia), considerado como uno de los más importantes de esta disciplina y una de las mayores plataformas de lanzamiento y promoción para jóvenes grafiteros de todo el mundo.

Jessica Dimmock

La galería Cero de Madrid acoge desde hoy jueves, 22 de septiembre, la exposición The ninth floor, de la neoyorquina Jessica Dimmock, cuyo fotoperiodismo vivo y moderno ha recibido numerosos premios. La implicación de Dimmock con la sociedad de su tiempo le ha convertido en una de las jóvenes fotógrafas más reconocidas internacionalmente.

Entre sus múltiples proyectos destaca The ninth floor, reportaje de fotoperiodismo con el que ganó el Premio Inge Morath de Magnum Photos. Jessica Dimmock ofrece una visión de diferentes mundos reales y cotidianos que están cerca de nosotros pero que ignoramos consciente o inconscientemente. Se introduce dentro de estos ambientes llevándonos al extremo pero con una actitud comprometida y respetuosa hacia los protagonistas de sus imágenes.     
En concreto, The ninth floor es un reportaje que retrata el día a día de un grupo de heroinómanos que ocuparon la novena planta de un lujoso bloque de apartamentos en Manhattan. La fotógrafa documentó durante tres años la vida de este grupo de 20 jóvenes adictos. La novena planta de este elegante edificio de la 5ª Avenida se convirtió en un nido de drogas, caos y desesperación.
Larga espera

En este reportaje se aprecia como gradualmente el edificio se va degradando hasta convertirse en un lugar oscuro, desesperado y caótico, al igual que sus ocupantes. Anotaciones en las paredes, humo, empujones, disparos, miedos... Amigos estafándose unos a otros para conseguir su próxima dosis. Jóvenes envejecidos dormidos sobre montones de ropa apilada, sin electricidad, con los baños inutilizables, la cocina llena de basura… todo lo que tuviera valor había sido vendido, pero dentro de este caos en algunos momentos todavía queda lugar para las emociones y resquicios de amor.
Esta exposición documenta el viaje a la "locura yonki" de estos jóvenes, cómo fue su desalojo, así como su trayectoria posterior: algunos lucharon por "limpiarse", otros se enfrentaron a la cárcel y la enfermedad, algunos se hundieron más en la adicción, otros llegaron a formar una familia y luchan por salir adelante.
Las fotografías de Dimmock son impactantes y no están preparadas. Ella simplemente espera, pero esa espera es larga y complicada puesto que prácticamente convive con las personas que retrata. Un reportaje de supervivencia y destrucción en el que la fotógrafa se ha sumergido durante tres años para mostrarnos uno de los lados más oscuros de la vida, con sus muchas sombras y pequeñas pero esperanzadas luces. 

José Parlá

His paintings incorporate calligraphy into pictures that resemble distressed city walls. Art historian Michael Betancourt divided his paintings into three categories: walls, diaries, and pictures. Walls are mural sized, diaries are smaller than walls, heavily filled with writing, and resemble a palimpsest. Pictures are the size of traditional paintings, but their visual contents resembles the walls but without the scale.^[3] “What Parlá’s work provides to its viewers is a way to re-see the city and re-engage the value of urban life.”^[4]

Fernado Sanchez Castillo

Fotogramas de Tácticas', donde un grupo de invidentes toca un busto de Franco.G. FOURMONT

He aquí una noticia bomba: Francisco Franco, el dictador, aquel hombre que aterrorizó España durante 40 años, sigue vivo. Y hay más: sigue controlando los hilos de la democracia española, impidiendo su buen desarrollo. Es una opinión radical, pero es la que defiende el artista Fernando Sánchez Castillo (Madrid, 1970), que inauguró ayer en el Círculo de Bellas Artes Episodios nacionales. Táctica, una exposición que reflexiona sobre la historia de este país y el legado franquista.
La muestra, que se celebra en el marco de PhotoEspaña, reúne cinco obras. Nada más. Tres fotografías, un vídeo y una cabeza de Franco de bronce que gira a toda velocidad... intocable. El proyecto de Sánchez Castillo nació en el año 2002, cuando quiso montar con un amigo una exposición en Santander con una estatua de Franco. "La censuraron y fue cuando me pregunté por qué no querían que yo, un artista, utilizase algo que pertenece a nuestra Historia",

Bruno Bischofberger

Ultimamente conozco gente que me dice es artista,
Ya sabesis no han cogido un libro en su vida pero saben dibujar,
El arte no es para creadores ahora predomina el pensador,
Sabes dibujar pero ¿Y el concepto donde queda?
Existe un dato de mil estudiantes de bellas artes solo uno lo tendra como trabajo,
Si alguna vez te representa alguien de la calidad como Bruno Bischofberger.
Podras decir que eres artista,es un genio y el mejor galerista del mundo.
No me vengas con la estupidez ¡No yo solo quiero lo underground!
¡Eso no te lo crees ni tu! ¡Gafapasta!
Por que lo mas seguro que no llegarias en tu puta vida ni intentandolo
No os fieis de estos energumenos son frustrados de por vida

Joep Van Lieshout

El proyecto Plataforma Chocó junto al artista holandés Joep Van Lieshout, reconocido por ser el creador del Aterlier Van Lieshout trabajó en el diseño de una base en la costa del Chocó que servirá como "espacio para pensar y reflexionar" para los futuros artistas invitados a desarrollar proyectos.

Esta estructura, que será localizada entre el Océano Pacífico y uno de los bosques más biodiversos del planeta, habitado por afrodescendientes e indígenas Emberá, ofrecerá una plataforma a futuros artistas de diferentes disciplinas, para que desarrollen proyectos sobre temas sociales y de medio ambiente, y al mismo tiempo se confronten con su propia condición humana dentro de este entorno natural único.

 Joep Van Lieshout y Plataforma Chocó ofrecieron una charla en nuestro espacio sobre sus trabajos individuales y el proyecto que les une actualmente. Disponemos para el público en el centro de documentación de lugar a dudas,  15 dibujos de Van Lieshout del prototipo construido en la playa chocoana, así mismo mostramos el registro en vídeo de la charla, para finalizar con un vídeo en la sala de exhibición que da cuenta del trabajo de Plataforma Chocó y el artista del cuerpo Nemesio Berrio

ANTONIO MACHÓN HA CERRADO

Una de las grandes galerias en los años 80 ha cerrado sus puertas.
Sus problemas por falta de pagos a la artista Laura Lio,
Sus bajas ventas y el no haber innovado le han pasado factura.
Mantienen solo la oficina para la clientela pero pura imagen de puertas para fuera.

Murió el padre del "pop art", Richard Hamilton

El británico Richard Hamilton, padre del Pop Art, que fue explorado por grandes como Andy Warhol y Roy Lichtenstein, murió hoy a los 89 años, informó su galería oficial. Hamilton, que residía en el Reino Unido, falleció esta mañana Unido tras una larga enfermedad cuando trabajaba en una retrospectiva que iba a exhibirse en 2013 en Los Ángeles, Filadelfia, Londres y Madrid. Quizás el trabajo más recordado de Hamilton, es  "Qué es lo que hace las casas de hoy tan diferentes, tan atractivas" que data el año 1965, un fotomontaje donde aparece la palabra "pop" en una raqueta y al que muchos consideran la primera obra que se inscribe totalmente en el movimiento Pop Art. El mismo, muestra a una mujer desnuda con una lámpara a modo de sombrero y a un culturista con un enorme chupa-chups con la palabra "Pop" en la mano, ambos rodeados de aparatos usados en la vida diaria

Julian Schabel expone su obra en el 25 aniversario de la galería Soledad Lorenzo.Comparte exposición con el artista español, Jorge Galindo. Julian afirma en la entrevista que si dejará de pintar acabaría en la cárcel. Pero que malo eres, por dios, no lo hagas, no te queremos perder. El peinado de Jorge Galindo responde a una decisión personal, no nos responsabilizamos.

http://www.elpais.com/articulo/cultura/dejara/pintar/acabaria/carcel/elpepicul/20110913elpepicul_4/Tes

IVAM

 

 

"Promover y aumentar el intercambio cultural entre España y China". Este es el objetivo, según explicó su presidente, Zheng Jiayao, de la Shangai Internacional Culture Association, entidad organizadora de la exposición Arte chino, que se inauguró ayer en la sala La Muralla del IVAM.

Las obras, que se presentan por primera vez en España, dan a conocer diferentes estilos de la mano de 15 artistas chinos especialistas en pintura al óleo. Según explicó la directora del IVAM, Consuelo Císcar, el uso de la técnica "demuestra que los artistas chinos se encuentran cada vez más atraídos e influenciados por el arte occidental".

Más de 69 pinturas contemporáneas de matices muy diferentes han sido realizadas por Shen Yong, Jiang Jianzhong, Yu Xiaofu, Chen Yiming, Wang Jieyin, Ding Lipin, Ju Yan, Li Zhaohua, Mou Huan, Jian Baohong, Fu Ming, Son Kexi, Xu Xuechu, Gu Zhongxiang y Huang Azhong, y se exhiben en Valencia fruto del acuerdo entre el museo valenciano y la entidad china.

Durante la rueda de prensa, Císcar anunció que en 2008 el IVAM exportará a Shangai las exposiciones de Tono Sanmartín y José Manuel Ballester y, a su vez, el museo valenciano exhibirá "una muestra de cinco o seis artistas de tinta china sobre papel", aunque no confirmó las fechas.

En 2006, el IVAM presentó La Alquimia de los herreros, esculturas de Julio González, Andreu Alfaro, Miquel Navarro y Martín Chirino en ciudades como Minghan, Hangzou y Shangai. En la actualidad, Vietnam acoge la muestra que después se presentará en Singapur y Pekín, coincidiendo con la celebración de los Juegos Olímpicos de 2008.


Visión de artistas
Martín Chirino narró ayer, en la presentación, su experiencia tras haber expuesto su obra en Shangai. "Es extraodinario, este cruce de culturas es asombroso. Fue de una delicadeza y un esmero al que nosotros no estamos acostumbrados", explicó.

En la presentación -con una amplia presencia de artistas y medios de comunicación del país-, Zheng Jiayao destacó que las obras presentadas muestran "ricos colores pintados al óleo con la técnica tradicional china. Abren nuevos caminos en el arte chino", esgrimió Jiayao.

En el paseo por la galería se descubren estilos diferentes, sin un motivo que unifique formas o estilos. Como explicó uno de los artistas, Yu Xiaofou, "después de la reforma de 1980 en China -tras la muerte de Mao Zedong en 1976- surgió una renovación del arte contemporáneo en China".

Xiaofou señaló el crecimiento vivido en China en los últimos 20 años, "paralelamente a la economía". Sin embargo, el artista matizó que el "arte histórico en España es más estable" y citó a referentes como Goya, Velázquez o Picasso.

Carlito Carvalhosa

 Carlito Carvalhosa: Suma de Días, una instalación sonora ambiental y participativa que podrá visitarse en el Atrio Donald B. y Catherine C. Marrón hasta el próximo 24 de noviembre.

Construido con material traslúcido, suave y blanco y con una altura de 18 metros desde el techo hasta el suelo, la monumental instalación toma la forma de un laberinto elíptico a través del cual el visitante está invitado a caminar. Suma de días marca el debut en Estados Unidos de Carlito Carvalhosa, un reconocido artista contemporáneo brasileño.

La estructura interrumpe los límites definidos del espacio arquitectónico que le rodea, permitiendo una experiencia de inmersión total. El laberinto de tela incorpora un sistema de micrófonos que cuelga de diferentes alturas y graba ruidos ambientales que se reproducen al día siguiente por varios altavoces. Cada día, una grabación se superpondrá a la grabación del día anterior, creando un sonido único. Junto a la instalación se desarrollarán además diferentes actuaciones musicales de Lisa Bielawa, David Crowell, Jon Gibson, Philip Glass, Carla Kihlstedt, Michael Riesman, Mick Rossi y Andrew Sterman.

Fecha: hasta el 14 de noviembre.
Lugar: Museo de Arte Moderno (MOMA), 11 West 53 Street.  Nueva York, NY 10019. Estados Unidos.
Horario: lunes, miércoles, jueves, sábados y domingos de 10.30 a 17.30 horas. Viernes de 10.30 a 20.00 horas.

Tom Vinetz

Varias de sus obras han sido censuradas por sus contenidos mas que por la imagen en si misma

Nancy Spero

El Museo Reina Sofía acoge hasta el 5 de enero una retrospectiva de la artista estadounidense Nancy Spero La muestra, organizada junto con el Museo d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA), donde ha sido expuesta recientemente, intenta subrayar todos los aspectos fundamentales de la obra de una de las pioneras del arte feminista y de la escena contestataria de Nueva York de los años 60 y 70.
Nancy Spero (Cleveland, Ohio, Estados Unidos, 24 de agosto de 1926 – New York City, 18 de octubre de 2009)
Una artista reconocida internacionalmente tanto por su obra como por el significado de su lucha por la igualdad. Con una fuerte experiencia del dolor a causa de la enfermedad degenerativa que sufre desde muy joven, su trabajo está a mitad de camino entre lo literario y lo pictórico. El espectador se convierte en lector frente a la mayoría de sus pinturas ya que fueron concebidas para ser entendidas también desde esa faceta.

La incongruencia de ABC y la ultraderecha

Tania Bruguera

Hay creadores que utilizan el performance de manera ocasional, ven en el mismo una de las tantas herramientas que, acomodada en uno de los anaqueles de la Historia del Arte, está siempre presta para ayudar a articular un discurso artístico. Tania Bruguera, por el contrario, ve en el performance su particular modo expresivo, se mete en la piel de esta técnica multidisciplinaria para edificar un proyecto personal a través del cual intenta, como bien asegura ella, llevar una experiencia íntima, personal, a un espacio colectivo. Intenta, al menos, concebir el arte como una actitudvital y de reflexión crítica.

Tania Bruguera nace en La Habana, en 1968 y, según las notas que aparecen en sus catálogos, hoy vive y trabaja entre su ciudad natal y la ciudad de Illinois, en Chicago. Durante doce años consecutivos ha recibido una gradual educación artística en La Habana: una Escuela Elemental de Artes Plásticas, una Academia de Artes Plásticas, y un Instituto Superior de Arte. Además, ha recibido un master en la escuela de arte del Instituto de Chicago. Su experiencia expositiva también es importante: se ha presentado en bienales como la de La Habana, Venecia, Sao Paolo, Santa Fe en EE.UU., Johannesburgo en Sudáfrica, Shangai, o en la Documenta de Kassel.

Con esta conferencia examinaremos no sólo los presupuestos teóricos de esta artista performática, también haremos un recorrido a través de su obra, haciendo algunas paradas donde es menester: desde ese extenso período de de-construcción, mimesis analítica y término de la obra de la fallecida Ana Mendieta, hasta el polémico proyecto de periódico-performance Memorias de la Posguerra. Desde el presupuesto de obra colectiva en Cabeza Abajo y Lo que me corresponde, y las propuestas de auto-agresión simbólica y sacrificio-creación en Lágrimas de Tránsito, El peso de la culpa y El cuerpo del silencio, hasta sus más recientes proyectos. Son siete series que incluyen performances, y cinco instalaciones que dan buena cuenta de la obra de Bruguera. Algunos recursos simbólicos que trabaja (tierra, sangre, agua, pelo, piedra, carnero...) serán igualmente objeto de estudio.

Finalmente nos detendremos en la Cátedra de Arte de Conducta que -para ser coherente con una obra de praxis social y profundamente pedagógica, y a un tiempo consecuente con la herramienta a través de la cual se expresa- Tania Bruguera ha creado un taller de entrenamiento de performance para jóvenes artistas y estudiantes de arte que, presumiblemente y si los resortes extra-artísticos se lo permitan, se puede convertir en su obra performática 

Spunky Zoe

Ilustraciones de Spunky Zoe, obras arte contemporáneo. El artista deNueva Yorkganó merecida atención con su trabajo; una mezcla de surrealismo, con ciencia-ficción y retratos muy bien detallados, en su mayoría con semblantes de orientales, típicos de las películas de terror más escalofriantes. El resultado de todo esto son ilustraciones agresivas, basadas en una batalla entre monstruos de su mente, cuerpo y espirito.

La originalidad de su trabajo ya fue expuesta en galerías de todo el mundo: Corea, Japon, Singapur entre otras localidades. Sin dudas, su obra despierta aquellos miedos más profundos que luchan para cobrar vida o simplemente dejar de existir.

El Salón de los Refusés.

El Salon des Refusés, (Salón de los Rechazados) fue una exposición de las obras rechazadas por el jurado del Salón de París oficial de 1863.
En esa década, las galerías de arte de París ya montaban exposiciones de las obras rechazadas por los jurados del Salón. En 1863 los artistas protestaron porque el jurado del Salón había rechazado más de 3.000 obras, mucho más de lo normal. Fue entonces cuando el emperador Napoleón III decretó que los artistas rechazados podían exponer sus obras en un anexo al Salón oficial. La crítica de la época acogió esta medida con burla -en esta muestra se incluían pinturas como el Desayuno sobre la Hierba de Manet- aunque esta atención de la crítica legitimó la emergente vanguardia.
La expresión salon des refusés a quedado para denominar cualquier exposición de obras rechazadas por el jurado de una muestra artística.
Como cada año, cientos de jóvenes artistas se han presentado a la prestigiosa convocatoria que la galería Luía Adelantado organiza anualmente. La mayoría han sido rechazados.La exposición I Salon des Refuses de Adelantado es una selección de obras de artistas rechazados en la convocatoria anual de la galería Luís Adelantado de Valencia. Atendiendo al espíritu de los refusés, se abre la convocatoria para participar en esta muestra que tendrá lugar en el Espacio Expositivo La Mutante de Valencia entre el 7 y el 27 de octubre de 2011.acio

Max Paspechi

Cuando se trata de llamar la atención, transgredir y atraer las miradas escandalizadas de medio mundo, al artista italianoMax Papeschi no le gana nadie. Su última ocurrencia, que muchos ya se han apresurado a tildar ‘de juzgado de guardia’ es organizar una exposición en la que, entre muchas otras obras, tiene previsto vender a su señora madre, bajo las siguientes premisas: que el comprador no la maltrate y le permitan visitarla una vez cada dos semanas. El artista asegura que la venta no tiene truco, se hará de verdad y habrá contrato de por medio. El comprador será libre de llevarse la señora donde considere oportuno, siempre y cuando se atenga a las reglas.

La madre de Max Papeschi no efectuará su peculiar viaje sola. Junto a ella llevará un original kit compuesto de fotos de familia, libros para poder leer y unas notas en las que se detallan cuáles son sus platos preferidos. Durante la exposición, la mujer, que tiene ya más de 70 años, permanecerá inmóvil sobre una plataforma que exhibirá un cartel explicativo, al igual que las demás obras. En el mismo figurará la ‘composición’ de la señora, tamaño y principales características.

No es la primera vez que Max Papeschi la arma. Antes de efectuar esta ‘crítica a lo que están dispuestos a hacer los nuevos artistas con tal de alcanzar el éxito’, el italiano se ha granjeado en varias ocasiones la enemistad de numerosos grupos de poder con obras en las que combinaba la cabeza de Mickey Mouse con el cuerpo de Adolph Hitler, el cuerpo del Papa con la cabeza de Bart Simpson o el Cristo Redentor de Rio de Janeiro con el logotipo de Superman. Veremos qué otras sorpresas (aparte de su madre) nos esperan en la nueva exhibición, titulada ‘Oops I did it again’ en clara referencia al megaéxito de Britney Spears.

Lola Montes Schnabel

Hija de papa de Julian Schnabel.
No tengo nada mas que añadir