Antoni Tàpies

Hacía más de cuarenta años que el artista catalán Antoni Tàpies no acudía al oculista para graduarse las gafas. Durante todo este tiempo ha estado trabajando con normalidad, pero al mejorar su visión ha quedado estupefacto con los cuadros que ha estado pintando en las últimas décadas. “Yo pensaba que hacía cosas bonitas, como muy difuminadas, lo típico para poner encima del sofá. Y ahora veo que llevo toda mi puta vida pintando rayotes y cosas mal hechas sin ningún sentido. ¿Por qué nadie me avisó?” dijo Tàpies, encolerizado, durante la rueda de prensa que convocó ayer por la tarde para anunciar que se retira del arte.

García-Alix, Alberto

Fotógrafo español.

Se traslada a Madrid en 1967, ciudad en la que años más tarde comienza los estudios de Derecho que pronto abandona. En 1976 publica sus primeras fotografías en la revista barcelonesa Star. Al año siguiente funda junto a Ceesepe la Cascorro Factory, dedicada a piratear tebeos norteamericanos. En 1978 publica el álbum Vicios Modernos, en el cual sus fotografías se acompañan de textos y dibujos realizados por Ceesepe. En la década de los ochenta y noventa emprende varios viajes que le llevan a Tánger, Ibiza, Venecia, Nueva York, Bali, Cuba y México, captando en todos ellos imágenes a modo de diario. Sus instantáneas, realizadas siempre en blanco y negro, nos transmiten su personal visión de la vida y por ellas desfilan también personajes de la denominada movida madrileña. Habitaciones vacías, zapatos, mujeres, tatuajes y otra serie de objetos que tienen que ver con su existencia y que nos muestra de una manera muy personal, caracterizan la obra de García-Alix. Él, tiene la capacidad de concentrar toda una historia, una vida, en una única imagen. Esta particular visión del mundo que le rodea ha hecho que el crítico de arte Calvo Serraller lo defina como poeta callejero. En 1996 recibe el premio Passport en reconocimiento al conjunto de su obra y en 1999 el Premio Nacional de Fotografía. Ha protagonizado numerosas exposiciones individuales y participado en importantes colectivas, entre las que cabe mencionar: "259 Imágenes. Fotografía actual en España" (1983) en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, "Fotografía española contemporánea" (1991), en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. MNCARS de Madrid, "Sólo se vive una vez" (1993) en el Centro de Arte Palacio Almudí de Murcia y "Watu. Imágenes desde la diversidad" (1997), en la Casa de América de la capital española, entre muchas otras muestras.

Andre, Carl

Escultor estadounidense.

Una fuerte influencia de Brancusi y de Stella, con el que comparte taller; le lleva hacia 1958 a una escultura sin zócalo y sin intervención sobre el material. Es uno de los nombres claves del arte minimal, un arte frío y reduccionista que marca el panorama artístico americano de finales de los años cincuenta. A partir de entonces utiliza siempre el material tal y como lo produce la industria (ladrillos, troncos de madera, placas de metal, bloques de cementos sintético, etc). Su trabajo en la red ferroviaria de Pensilvania (1960-64), donde utiliza unidades estandarizadas e intercambiables, se ve reflejado en los "Element series" (1960), en los que se combinan elementos idénticos superpuestos o yuxtapuestos cuyo desarrollo en el espacio define el lugar donde se ubican. Al principio levanta pirámides y a partir de 1956 sus piezas se desarrollan horizontalmente sobre el suelo y utiliza un proceso repetitivo y sistemático siempre en relación con el espacio circundante. Unas veces reune ordenadamente módulos parejos y delgados a ras de suelo que dan origen a una especie de alfombras rectangulares y cuadradas, a largos caminos o a construcciones en esquina. "La función de la escultura - afirma Carl Andre en 1965- es apoderarse del espacio y ocuparlo". En 1966 realiza las "Floor series", consistentes en placas metálicas reunidas en cuadriláteros de poco espesor que terminan integrándose en el piso hasta que desaparecen del campo visual del espectador

Rodney Graham

En este sentido, la obra de Rodney Graham (Canadá, 1949) es paradigmática en el uso de la cita, la referencia, el comentario y la relectura de otros autores, del propio arte e, incluso, de sí mismo: las esculturas de Donald Judd reconvertidas en estantes para contener las ediciones de Freud; la deconstrucción del Parsifal de Wagner; pinturas a lo Picasso... Es esa sofisticación, irónica y cargada de sentido del humor, lo que ha hecho de Rodney Graham uno de los artistas más destacados del panorama actual.

De crítica y teoríaSe podrían echar de menos otras obras célebres como Vexation Island, presentada en 1997 en la Bienal de Venecia, pero es un acierto que no esté. No sé hasta que punto es consciente, pero en cierto modo se asume así que es un vídeo que, no sólo se ha expuesto mil veces, sino que se puede ver en YouTube.  Graham es un artista muy presente en el imaginario, que se había visto con cuentagotas y que así expuesto desvela la amplia estela o incluso la deuda que tienen algunos artistas con esa manía por la referencia sofisticada, mezclada con la reflexión sobre la imagen y el propio arte, aderezado con un poco de autobiografía (a veces reconvertida en ego).

Zhang Xiaogang

  Es un pintor chino contemporáneo simbolista y surrealista. Ha realizado una serie de pinturas Bloodline , que a menudo son retratos monocromáticos de gente china, personajes estilizados, por lo general con ojos grandes de pupilas oscuras, posando de una manera rígida deliberadamente recuerdando los retratos de familia de la década de 1950 y 60.
Zhang nació en la ciudad de Kunming en la provincia china de Yunnan en 1958. Vivió las revueltas políticas de los 60 y 70 conocido como LA REVOLUCION CULTURAL, que ejerció una cierta influencia en su pintura. En 1982, se graduó en la Academia de Bellas Artes de Sichuan en la ciudad de Chongqing, en la provincia de Sichuan, luego se unió a un grupo de jovenes pintores de vanguardia que alcanzaron la fama durante la década de 1980. Como Wang Guangyi, Xu Beihong y Wu Guanzhong, Zhang Xiaogang pertenece al grupo de artistas chinos contemporaneos favoritos para coleccionistas extranjeros.

Cecily Brown

Representante de esa generación de artistas británicos a la que agruparon bajo la etiqueta de YBA (Young British Artists), con gente como Tracey Emin o Damien Hirst, por citar sólo dos, Cecily Brown se diferencia un poco de todos ellos en que utiliza la pintura como vía de expresión. Hija de un afamado crítico de arte británico David Sylvester, defensor de la obra de Lucien Freud o Francis Bacon, algo de cuya forma de pintar está en la base de los trabajos de Brown.

Obras que caminan por senderos transitados por el expresionismo abstracto, la abstracción pero sin dejar de lado la figuración más o menos clara, una figuración que se ha ido diluyendo con el paso de los años, ya que los seres humanos que representa, con el paso del tiempo, se han ido fundiendo cada vez más con el fondo que los acoge de tal forma que parece que o bien nacen directamente de ese fondo, o mantienen una lucha por su propia supervivencia, por asomarse al exterior, por comunicarse con nosotros.

The Yes Men

The Yes Men (arte de contexto)

Los Yes Men son un dúo de activistas formado por Andy Bichlbaum y Mike Bonanno que practican lo que ellos llaman "corrección de identidad", que trata básicamente de desenmascarar a las corporaciones multinacionales y a todo el entramado de intereses políticos y económicos tendentes a su protección en perjuicio de los ciudadanos de todo el planeta.
Se hacen pasar por personas poderosas y portavoces de organizaciones prominentes, aceptando las invitaciones recibidas en sus páginas web para aparecer en conferencias y programas de televisión. Luego usan su autoridad recientemente adquirida para expresar la idea de que las corporaciones y organizaciones gubernamentales a menudo actúan en modos deshumanizantes hacia el público en general.
Su método usualmente es la sátira: haciéndose pasar por portavoces corporativos o del gobierno, suelen hacer comentarios chocantes y denigrantes sobre los trabajadores y consumidores.
Los Yes Men se han hecho pasar por portavoces de organizaciones tales como la OMC, McDonald's, Dow Chemical, entre otras.

"Diríase que acciones como esta de los Yes Men

muestran posibilidades de una interesante mediación

entre el despliegue táctico y el alcance estratégico del

arte de contexto, y que esa mediación se da precisamente

por intermedio de una forma de comportamiento,

un específico modo de relación que tiene que

ver con la capacidad, evidente, no solo de imaginar

las suplantaciones, sino de llevarlas a cabo con consumada

maestría. Lo que nos interesa aquí, entonces, no

es tanto el alcance estratégico o la brillantez táctica,

cuanto la ventana de posibilidades operacionales que

el trabajo de los Yes Men nos abre

Lucian Freud

El pintor británico Lucian Freud,  nieto de Sigmund Freud y célebre por sus obras con representaciones hiperrrealistas de cuerpos desnudos, ha muerto en Londres a los 88 años, ha anunciado The New York Times. El pintor murió el miércoles tras nuna breve enfermedad, según ha precisado el rotativo americano citando a la galerista de Freud, William Acquavella. 

'Benefits Supervisor Sleeping', de Lucian Freud.,

Lucian Freud estaba considerado como el artista vivo más cotizado del mundo. Su cuadro Benefits supervisor sleeping (1995) representando una mujer obesa estirada totalmente desnuda en un sofá, fue vendido por casi 34 millones de dólares en el 2008 al millonario ruso Roman Abramovitch

Bas Jan Ader

 

 

Artista conceptual holandés nacido en Winschoten en 1942, Bas Jan Ader murió en pleno Atlántico cuando trataba de alcanzar las costas británicas en una pequeña embarcación. La empresa se enmarcaba en un proyecto performativo llamado In Search of the Miraculous. Se trataba de un proyecto en 3 partes, que quedó inconcluso, paradójicamente, por la última y definitiva caída del artista. Porque caerse fue un motivo muy recurrente en la breve pero rotunda obra de este artista. Bas Jan Ader se caía en bicicleta a los canales de ámsterdam, se caía de los tejados de las casas, de las ramas de los árboles. Se dice que estas caídas de Bas Jan Ader eran una metáfora existencialista. La libertad del ser humano le lleva a provocar su propia caída. Es el propio cuerpo del artista el sujeto y el objeto de su obra. Entre las posibles referencias que guiaran el camino de Bas Jan Ader se encuentran los artistas de la performance, la danza y el teatro. La cineasta Ivonne Raider, fue alguna de las artistas que exploraron la caída como el más común de los movimientos. No debemos obviar los intentos de levitar por parte de Bruce Nauman ni el mítico salto al vacío de Yves Klein. Pero a diferencia de estas referencias, en la obra de Bas Jan Ader se mezclan la ironía con un cierto romanticismo que no es sólo dramático: se filtra en él una tibia melancolía.

Tobias Wong. Paraconceptual.

Tobias wong se suicidó en su departamento de New York. A los 35 años era uno de los diseñadores más creativos e importantes del medio, se llamaba así mismo ‘paraconceptual’ borrando con su talento esa línea entre el arte conceptual y el diseño. Este canadiense irreverente desde el principio se mofó sin límites del consumismo y el lujo de las sociedades de consumo haciendo una yuxtaposición entre el la ironía; ridiculizando esos ‘bellos’ objetos o marcas; sobrecargándolas de más lujo pero llenándolas de belleza a la vez, denunciaba así como el lujo ha dañado el arte y la creatividad. El concepto es sólido, sus obras hablan por si solas, comunican como ‘Ballistic Rose’ hecha a base de material antibalas. 

 

 
 
  
 

Dan colen

La inspiración para mi serie de pinturas con chicle me vino mientras hacía unas rocas grandes con papel maché. Surgió de imaginar lugares “secretos” en las montañas, junto a las vías del tren, en cloacas, lugares en los que los adolescentes pudieran congregarse para emborra-charse, fumar hierba, hablar del universo y darse el lote. Por eso todas las rocas están pintadas con spray y cubiertas de cagadas de pájaro y chicles mascados. Estaba utilizando trocitos de acrílico para imitar el chicle y, para conseguir un aspecto realista, pegaba chicles a trozos de gomaespuma y luego los copiaba. Un día me quedé mirando la gomaespuma y pensé: “¡Hostia! ¡Esto mola mucho!”, así que empecé a hacer lienzos con chicles de verdad.

. Pero mis otros cuadros con chicles llevan título del estilo Me quiere, no me quiere, Compañero de vida, Soy una zorra, Un día me moriré o Este cuadro quedará muy bien encima de tu sofá.

Cuando empecé, los lienzos eran como muy dispersos. Cada uno tenía entre 20 y 30 trozos de chicle mascado, sepa-rados entre sí y colocados de forma aleatoria por la tela. Luego dejé de hacer este tipo de pinturas durante un tiempo y, cuando las retomé al cabo de unos meses, me dediqué a ellas en cuerpo y alma. Poco a poco se fue transformando en un proceso más elaborado y concienzudo. Empecé a añadir muchos más chicles en cada cuadro. Pegaba algunos, luego los arrancaba, los colocaba en otro sitio, los estiraba o los pegaba y mezclaba los sabores para crear nuevos colores.

Empecé a utilizar los chicles como si se trataran de pintura. Algunos lienzos tenían un chicle en el centro que se estiraba hacia fuera trazando espirales “hipnóticas”. También he hecho una serie de pinturas mofándome de Bazooka Joe, con cómics pegados al chicle. Pero la mayoría de las piezas consisten en jugar con los chicles y construir capas y capas hasta que se terminan. Acaban formando una maraña, pero son bonitos (al menos para mí). A veces me recuerdan las pinturas de Cecily Brown. No es que crea que tienen una intensidad o una belleza comparables. Me encanta su obra y la tengo metida en la cabeza, pero sólo es una fantasía y soy consciente de que se tratan de dos cosas completamente diferentes. Cecily es capaz de transformar la pintura. Por desgracia, yo tengo que ser mucho más literal y utilizar chicles en lugar de pintura.

Utilizo tantos sabores distintos de chicle que ni siquiera sabría por dónde empezar a enumerarlos. Mis favoritos son unos llamados Trident Splash, unas grageas duras por fuera y blandas por dentro, con sabor a mora y manzana o cosas por el estilo. Pero la verdad es que no masco mucho chicle. Para las primeras pinturas sí lo hacía, y también le pedía a mucha otra gente que lo hiciera. Era un proceso muy lento, por eso los cuadros están casi vacíos. Pero para estos cuadros nuevos he ingeniado modos de conseguir que el chicle tenga aspecto de mascado sin tener que masticarlo de verdad, como meterlo en agua hirviendo. Es más rápido y ofrece más opciones.

Ahora mismo estoy en un punto especial, o al menos particular, que me permite jugar a placer con mis obras. He decidido no aceptar proyectos ni exposiciones por ahora. Mi desarrollo conceptual y mi metodología de trabajo funcionan de forma distinta si no tengo fechas de entrega, ni mejor ni peor, simplemente a un ritmo diferente. Y eso hace que las pinturas salgan solas. Estoy enamorado de ellas.

Sam Taylor-Wood

 

 

Biografía

• Los padres de Taylor-Wood se divorciaron cuando ella era una adolescente y Samantha se fue a vivir con su madre y su padrastro a una comuna new age. Cuando cumplió los dieciséis años, su madre la abandonó.
• Tuvo problemas en los exámenes y le costó mucho entrar en la escuela de arte, cosa que finalmente consiguió y se graduó en el Goldsmiths College en 1990.
• Tras llevar una discoteca y alternar otros trabajos, comenzó a realizar filmaciones cortas en vídeo y a tomar fotografías.
• Algunos de sus trabajos incluyen filmaciones de David Beckham durmiendo, Elton John o Pet Shop Boys.
• Sus fotografías se exhiben en el museo Guggenheim, en la National Portrait Gallery de Londres y en las mejores galerías del mundo, siendo una de las más aclamadas artistas británicas del momento, lo que no impide a sus detractores opinar que su verdadero talento se encuentra en los números de teléfono de su agenda.
• En 1995 hizo la primera Five Revolutionary Seconds I de sus series de fotografías utilizando una cámara giratoria para crear panorámicas de 360º en interiores con gente en actividades aisladas, creando un ambiente de aburrimiento y narcisismo.
• También en 1995 contrajo matrimonio con Jay Jopling (propietario de la galería White Cube en Hoxton Square, Londres), y poco después tuvo problemas con el cáncer.
• En 1997 fue denominada la Most Promising Young Artist en la Bienal de Venecia.
• Fue nominada para el Premio Turner en 1998.
• En 2004 hizo la serie de fotografías Crying Men, veintisiete retratos de conocidos actores masculinos (Laurence Fishburne, Sean Penn, Dustin Hoffman, Paul Newman, Willem Dafoe o Robert Downey Jr) a los que sometió a la prueba de llorar de un modo sincero ante su cámara. Las imágenes nos plantean la pregunta de cuanto hay de verdad y cuanto de mentira en sus emociones.
• En 2009 se comprometió con el actor británico Aaron Johnson, de 19 años, al que conoció grabando Nowhere Boy. del que espera el primer hijo de la pareja.
• Nowhere Boy fue su primer trabajo como directora de cine y está basada en las experiencias de juventud de John Lennon.

ELIZABETH PEYTON

ELIZABETH PEYTON (nacido en 1965) es una pintora norteamericana, que se elevó a la popularidad a mediados de 1990. Ella es una artista contemporánea más conocida por estilizados retratos idealizados de sus amigos cercanos,estrellas del pop y la monarquía europea. A mediados de los años 80, estudió artes plásticas en la Escuela de Artes Visuales en la ciudad de Nueva York. Su primer éxito de exposición en la ciudad de Nueva York se celebró en una sala del hotel Chelsea (principalmente dibujos). Ella pasó a exponer regularmente en la galería de Gavin Brown y comenzó a recibir muy buenas críticas desde el New York Times y The Village Voice. Su carrera se inició, un tiempo más tarde apoyada por el mercado del arte, donde el precio de sus obras, desde entonces, ha aumentado de manera constante (un óleo sobre lienzo que representa a John Lennon se vendió por una cifra récord de US $ 800000 en 2006). Obras de Elizabeth Peyton se encuentran en las colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Centro Pompidou en París.

Antoni Muntadas

Antoni Muntadas es un artista experimental. Los amigos le llamamos Toni. Sobre todo cuando estamos borrachos y su nombre se nos complica. Toni  Estudia Ingeniería Industrial en Barcelona. En 1964 participa en la fundación del grupo Machines. Aunque sus comienzos se vinculan a la pintura, desde 1971 se dedica a los nuevos soportes multimedia y audiovisuales. En 1997 completa su formación en el Center for Advanced Visual Studies del Massachusetts Institute of Technology donde, más tarde, impartirá una serie de cursos, además de en otros centros y universidades americanas y europeas. Establece su residencia en Nueva York en 1974 y centra su trabajo en las relaciones entre el arte y la vida y utiliza fundamentalmente la televisión como soporte. En sus instalaciones suele yuxtaponer fragmentos de telediarios o de símbolos, o proyecta diapositivas de anuncios publicitarios sobre una televisión apagada (Televisión, 1980) y también, con frecuencia, confronta imágenes de la alta cultura con la baja cultura mezclando imágenes de museos y centros comerciales.

Roman Abramovich

Roman Abramovich abre una galeria de arte

El escéntrico multimillonario Roman Abramovich abre en Moscú una galerí­a de arte.

Daria Zhukova

Bueno, mejor dicho la modelo, amante del arte, hija de un multimillonario ruso y novia de Abramóvich, Daria Zhukova, de 27 años, abre una galeria de arte en Moscú, queriendo ser el centro del arte en oriente, con permiso de los chinos de momento.

Daria Zhukova, conocida modelo ha inaugurado por todo lo alto la galería llamada El Centro Garage de Arte Contemporáneo de Moscú (CCCG) o, en ruso, Garazh (garaje en castellano) que tiene como sede una joya arquitectónica de Moscú, un viejo garaje de autobuses llamado Bajmetevsky, diseñado en 1926 por el arquitecto Konstantin Melnikov.

Pretende ser la replica de la Tate Moden de Londres y el MOMA de Nueva York. En la galería lucirán, entre otras, dos obras de las mas cotizadas de los artistas Lucian Freud y Francis Bacon por las que ha pagado su novio Abramóvich 76,5 millones de euros.

La galería cuenta con unos 8500 metros cuadrados y fue construida por el arquitecto ruso Konstantin Metnikov, en los años 20 dentro de un antiguo garaje. La galeria dispone de dos salas de exposiciones, cafetería, cine, salas de lectura, librerías y tiendas.

El espacio se estrena con una retrospectiva de los artistas rusos IIya y Emilia Kabakov. IIya es el pintor ruso mas cotizado de la posguerra llegándose a pagar por una obra suya 3,3 millones de euros.

Regina Fiz

 

First Collection’ es una serie de seis fotografías en color, formada por dos trípticos en los que la artista brasileña Regina Fiz analiza la relación que tiene con su propio cuerpo, con otros cuerpos y con los espacios cotidianos que habitan estos cuerpos en sus vidas.

Jeff Koons

Escultor estadounidense, que se hizo famoso en 1980 por una serie de trabajos artísticos que remiten, a menudo de manera escandalosa, a la imaginería de la cultura popular. Nació en York, Pensilvania; de 1972 a 1975 estudió en las escuelas de arte del Instituto de Maryland, Baltimore y del Instituto de Chicago, donde se hizo amigo de su profesor Ed Paschke. En 1976 se trasladó a Nueva York para trabajar durante algún tiempo en la Bolsa de Valores. Sin embargo, durante la década de 1980 consiguió fama internacional por sus figuras, realizadas deliberadamente con mal gusto e incluso a veces de forma pornográfica. Inspirado principalmente en el Pop Art de la década de 1960, Koons comenzó a preocuparse por la penetrante influencia de la moderna sociedad de consumo. Además de imitar la imaginería sensacional de la publicidad y de la pornografía, a menudo incorpora a su obra artística productos domésticos, como las aspiradoras que expuso en el Nuevo Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York en 1980. Sus creaciones más controvertidas fueron las explícitas fotografías, pinturas y esculturas que mostraban sus relaciones sexuales con la actriz pornográfica y diputada del Partido Radical italiano Cicciolina, con la que estaba casado

Walton Ford

El responsable de esa ilusión es el neoyorquino Walton Ford, uno de los artistas más sugestivos del panorama contemporáneo. Observarán los habituales de esta página que sus criaturas poseen una indiscutible fuerza literaria. Editado por Taschen en un lujoso volumen, el compendio de la obra de Ford nos permite adentrarnos en su mundo de mitos, animales sabios y lecciones morales.
Las acuarelas de animales de Walton Ford podrían pasar por ilustraciones de ciencias naturales del siglo XIX o por pinturas coloniales británicas. Pero no lo son. Algo extraño y siniestro acontece en cada trabajo de Ford, tanto si es un pavo salvaje atacando a un pequeño loro con sus garras, un conjunto de monos causando estragos en una mesa elegantemente puesta para la cena o un búfalo americano rodeado por una manada de sanguinarios lobos blancos... en medio de todo un jardín francés.

Yue Minjin

El pintor y escultor chino Yue Minjun (岳敏君) (Daqing, China, 1962), ---que trabajó algunos años en los campos petrolíferos del noreste de China y en 1983 inició sus estudios de arte--- vive hoy, junto a otros artistas, en un barrio de las afueras de Pekín, al que se traslado en 1989, tras la matanza de la Plaza de Tiananmen en 1989, desencantado por la política del gobierno chino. En la obra de Minjun confluyen elementos formales y compositivos procedentes de la tradición artística china con actitudes, iconos y obras de arte europeo. Así podemos verlo, por ejemplo en su óleo titulado "Ejecución", una relectura de los "Fusilamientos del 3 de Mayo" de Goya y de la que pintó Manet sobre el fusilamiento del emperador Maximiliano, aunque esta vez interpretado por figurantes chinos que muestran todos ellos ---tanto los "verdugos" como las "víctimas"--- una poderosa carcajada que es a la vez una rígida máscara grotesca. La risa estridente convertida en mueca es sin duda la marca más visible de todas las obras de Yue Minjun, sean óleos o sean esculturas.

La obra de este pintor ha sido calificada de "realismo cínico" (etiqueta que el propio Yue Minjun rechaza), ---parodia irónica del arte oficial llamado "realismo socialista"---, y que no podemos dejar de comparar con algunos aspectos de la obra de artistas alemanes surgidos de las ruinas del muro de Berlín, como son Neo Rauch (Leipzig, 1960) y el resto de los artistas de la "Nueva Escuela de Leipzig"
En ese sentido Yue Minjuan utiliza una expresión que nos parece muy cercana al del esperpento, ---género definido por su creador, Valle-Inclán, como "una estética sistemáticamente deformada"---, donde lo grotesco degrada a los personajes representados a meros muñecos o a ser una caricatura burlesca y crítica de la realidad. Aunque podemos preguntarnos si Yue Minjun construye ---como anteriormente hicieron Quevedo, Goya, el propio Valle-Inclán o los pintores expresionistas--- una imagen deformada de la realidad o su obra simplemente refleja una realidad deforme.

Marina Abramovic

 

 
Los trabajos más conocidos de Marina Abramovic son sus performances, objetos, vídeo-instalaciones y acciones registradas para dramatizarse en escenografías de fuerte barroquismo conceptual. El eje de su producción se halla en su propio cuerpo, un territorio para la experimentación y el cambio, soporte de toda su trayectoria artística.

En sus inicios, la artista trabaja en solitario, y tras un breve contacto con las instalaciones sonoras, comienza a realizar sus primeras performances -Rhythm 4, Rhythm 5, 1974; Rhythm 10, 1975- que estuvieron salpicadas por el escándalo. Siguiendo la idea -común a todos los performers- de sentir el mundo a través de la experiencia personal del cuerpo, la artista trató de indagar en los límites de la resistencia moral y física, reflexionando sobre los patrones de comportamiento de la mente y el organismo. Su idea era establecer un diálogo energético con los espectadores.

Ehrior Sanabria and Omar Jerez.Performance

Lo primero que hace cualquiera cuando mencionas tu incursión en la sociedad japonesa, es una sonrisa inmediata, se manifiesta una euforia desmedida, es como si todos depositaran en la cultura japonesa una esperanza de una sociedad casi perfecta. Las preguntas y comentarios casi siempre son los mismos: ¿son educados?, su dieta y su comida me parecen maravillosas, el manga me encanta, crean tecnología punta. Te asaltan sistemáticamente con las mismas cuestiones. Es como si se hubieran creado un parque temático donde el dolor y la tristeza no existieran, es unánime, todo el mundo quiere hacer un viaje iniciático al país del sol naciente. Un desconocimiento absoluto inclusive en personas que constantemente leen información sobre una sociedad industrializada como es Japón.
Una de las pocas imágenes que se quedan en el colectivo, es un fotograma de la película protagonizada por Bill Murray “Lost In Tralastion”, donde se encuentra sentado en la cama de un hotel en la ciudad de Tokio y en hora punta se pueden concentrar 36 millones de personas, este es el punto donde quiero remarcar la dualidad de esta performance sobre los Host, la soledad y nada más que la mas terrible soledad, aquí no esta buscada, no hay carga poética en el individuo, aquí te ves arrastrado al mayor de los infiernos por la imposición de una vida tecnificada, se  compran las amistades, el  amor, la compañía, incluso hay servicios donde a actores se les contratan para que vayan a un funeral por estética social, es tan desolador que a las estadísticas me remito, uno de los diez países con mas suicidios del mundo, con enfermedades psiquiátricas endógenas no localizadas en ningún rincón del planeta, y donde los jóvenes se revelan a las tradiciones impuestas por su mayores, reivindicando un estilo nihilista sin construcción pedagógica.
Un cinco veces nominado al premio Nobel TIZIANO TERZANI en su vida como corresponsal de guerra, vio in situ muertes, violaciones, torturas, fusilamientos, lo mas terrible de la condición humana y sin embargo se mostró con un equilibrio fuera de lo común, pero  cuando lo trasladaron a Japón, donde era la sociedad del bienestar y en su momento el país que más boom económico mundial tuvo, llegando a superar en los años 80 a Estados Unidos, entró en una profundísima depresión de la que estuvo a punto de no escapar. A esto es a lo que me refiero, Ehrior y Yo lo hemos hablado más de una vez; encontrarnos en Osaka, Tokio o Kioto y tener que re situarte porque estás como en una especie de videojuego tridimensional donde impera la irrealidad, no existe amor, estás como en una de esas películas de realidades virtuales computerizadas en las que nadie es un individuo, se es autómata alienado como podría ser en cualquier pasaje literario de “Un mundo Feliz” de Aldous Huxley.
Los romanos compraban esclavos y vendían libertad a su antojo, aquí llegamos a otra cuestión, no se trata de intercambio de bienes, si no de priorizar en lo mas hondo de un individuo donde resucitar a una catarsis espiritual ya no depende de uno mismo, sino que está sometido sí o sí a unas estratosferas colectivas donde sólo se puede elegir: o me vendo o me suicido en vida.
Omar Jerez.”

Ai Weiwei

Su obra destacó en la década de 1990 por su carácter provocador, culminando a nivel internacional con su participación en el diseño del Nido del Pájaro, escenario central de los Juegos Olímpicos de Pekín 2008.
Más recientemente, su creación Semillas de girasol, una alfombra de cien millones de pipas de porcelana que tapizó la Tate Modern de Londres, ha tenido una gran repercusión en el gran público y la crítica.

Cy Twombly

El artista estadounidense Cy Twombly, de 83 años, ha fallecido hace unos días en un hospital de Roma, ha anunciado el director de la galería de arte contemporáneo de Yvon Lambert, en Aviñón, Eric Mézil. Nacido en Lexington (Virginia) en 1928, era uno de los grandes pintores abstractos del siglo XX, y también escultor y fotógrafo. Vivía en Italia desde hacía medio siglo y padecía desde hace años un cáncer. El anuncio lo ha hecho Mézil porque desde mediados de junio estaba abierta una exposición de sus fotografías en la colección Lambert. "Era como una roca", ha dicho Mézil, el primer tratante de Twombly en Europa.

Tarin Simon

Taryn Simon (NY, 1975) es una fotógrafa a la que en More Than Blog tenemos una especial devoción. Su impresionante valor documental y conceptual, acompañado de gran valor estético, genera fórmulas narrativas efectivas, mostrando recobecos y pliegues del mundo en el que nos encontramos con sus pequeñas-grandes dinámicas económicas y sociales.
Vamos a tratar sus tres últimos trabajos realizados: The innocents (2006), An American Index of the Hidden and Unfamiliar (2007) y Contraband (2010).
Con The innocents la fotógrafa americana retrata a personas que fueron detenidas por delitos que no habían cometido. Para ello los lleva al lugar de la detención, del crimen o de la identificación, espacio que adquiere para ellos una contradicción debido a que depués del suceso sus vidas cambiaron. Con este trabajo cuestiona la fotografía como testigo creible en la justicia.

Barbara Kruger

Barbara Kruger tiene una forma "muy personal" de contar las cosas. Produce unas fotografías muy características en blanco y negro, combinadas con textos lapidarios. El género es uno de los principales enfoques de la artista, junto con lo político y lo social. Kruger concibe un sujeto construido por las fuerzas sociales: son las redes de relaciones, la posición de unos sujetos respecto a los otros los que definen al individuo. Para Kruger el poder se impone a través de la imagen, ella sostiene que la sociedad está controlada por los códigos dictados por los medios de comunicación, hasta el punto de que las experiencias vividas en ocasiones se reducen a la imitación de aquellos clichés asentados en nuestra memoria.

Su obra parte por tanto del estereotipo. Para implicar al observador y despertarlo, nos hace conscientes del "tipo" que hemos aceptado a partir de la visión y el efecto dominante que ejerce en nuestra cultura para pedirnos una reacción. Si lo consigue es gracias al dominio del mundo de la imagen adquirido durante sus primeros trabajos como diseñadora gráfica, que ella considera su mayor influencia. Durante este periodo aprendió la manera de captar la atención del observador con un mínimo de signos, posteriormente sólo tenía que manipularlos en sentido inverso y añadirle un texto contundente. La obra "You are not yourself" es paradigmática de su forma de trabajo; una imagen tomada del cine y fragmentada nos recuerda con un texto radical la falta de unidad de nuestra identidad, nos cuestiona interpelándonos directamente a través de ese "you".